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Mein Vater ist Chef: Christoph Burtschers fotografische Erinnerungen Die eigenen, als Kind angefertigten Fotografien sind Gegenstand eines ungewoehnlichen Fotobuchs. Der in Berlin lebende Kuenstler Christoph Burtscher hat seine „Fruehen Fotografien“ gesichtet, neu zusammengestellt, mit alten Schulaufsaetzen kombiniert und daraus ein faszinierendes Buch gemacht: Schon das Buchcover ueberrascht. Ein Junge im gelben Schlafanzug macht ein Selbstportraet, fotografiert in einen Spiegel. Und weil es dunkel ist, blitzt es. Der helle Leuchtpunkt reflektiert im Glas – und das Gesicht ist nicht mehr zu erkennen. Jeder Fotograf hat schon einmal so ein Bild gemacht, hat sich selbst im Spiegel gesehen, hat ausgeloest und sich dann ueber den Blitz geaergert. Oder sich gefreut, gewundert ueber das gleissend helle Licht. Auch Christoph Burtscher hat so ein Bild gemacht. Es ziert sein Fotobuch „Mein Vater ist Chef“, das gerade erschienen ist. Dieses Buch ist etwas ganz Ungewoehnliches, weil es Fotografien mit Texten aus alten Schulaufsaetzen kombiniert, Bilder und Texte, die der heute erwachsene Fotokuenstler als Kind angefertigt hat. Ueber Jahre, Jahrzehnte lagerten sie in Mappen im Keller. Jetzt hat Burtscher die alten Schaetze gesichtet, geordnet, neu zusammengestellt und zu einem Buch verdichtet. Es gehoert zu den schoensten Veroeffentlichungen dieses Jahres. Das kleine, in Leinen gebundene Buechlein birgt Schaetze der Schnappschussfotografie. Bilder, die zeigen, wie sich ein Kind mit einem Fotoapparat der Welt naehert. Seine Welt, das ist die Familie, die Schulfreunde, Ausfluege in die naehere Umgebung, Urlaube im Ausland – eine Welt, die Burtscher als Kind mit grossem Eifer fotografiert hat. Was diese Bilder zu etwas Besonderem macht, ist der unverstellte Blick auf den Alltag. Wir sehen „Papa morgens nach dem Aufstehen“ oder „Tante Linde abends vor dem Ausgehen“, beide aus dem Jahr 1976. Noch frueher und in Schwarzweiss hat der 1965 in Vorarlberg in Oesterreich geborene Burtscher seine „Ebinger Oma“ fotografiert – oder auch „Tante Linde und Michi“, doch diese ganz fruehen Bilder ruehren noch nicht so stark an. Erst mit der Farbe zieht ein besonderer Stil, eine besondere Kraft in das Werk des Kinderfotografen ein. Lakonisch werden jetzt ganz einfache Taetigkeiten dargestellt: Wir sehen etwa wieder Tante Linde, Geld zaehlend – oder die eigene Mutter in einem Taxi in London. Immer betoerender werden die Bilder nun. „Susi auf der Faehre von Calais nach Dover“ ist eine Fotografie, die man immer wieder anschauen moechte: das kleine Maedchen mit den roten Haaren, wie sie ueber die Reling blickt. Oder „Katharina fliegt“: ein Kind, das in der Luft zu schweben scheint. Im Hintergrund die oesterreichischen Berge. Ein zaertliches Portraet hat Burtscher an einem Sonntag im Internat von seinem Freund Michael angefertigt, ein ganz und gar skurriles von dem sich kaemmenden Cousin Walter. Seinen Cousin Michi zeigt er in einen grotesken schwarzen Mantel gehuellt – allesamt Bilder, die man gerne lange betrachtet. Was bedeutet es, wenn ein erwachsener Kuenstler seine Kinderbilder ordnet und neu zusammenstellt? Anton Holzer hat es in seinem Buchbeitrag auf den Punkt gebracht: „Er hebt in seinem Fotoprojekt 'Mein Vater ist Chef' die Trennung zwischen kindlicher und kuenstlerischer Wahrnehmung ein Stueck weit auf, macht sie durchlaessig. Und er beobachtet, was passiert, wenn Erinnerung und Kunst aneinander geraten.“
'...at first glance, Christoph Burtscher's first hand views and photographs of his home and childhood journeys do not seem to fit the tautology of contemporary landscape work. People move into the foreground, they look directly into the camera, they smile and turn away. It seems that landscape has taken a back seat, framing the view once more. However, what one finds oneself in the presence of in Burtscher's work is a profound sense of a ghost of a ghost, an artifactual a prosthetic body rather than anything that speaks of the Real. We are looking at the images that resonate as psychological landscapes. Their meaning stretches well beyond the foreground subjectivity of the people in the frame. These images are of a time that no longer exists; their spectrality transcends the information in the photographs and move into a space of pure sensibility in looking backwards at these faded images of Burtscher's childhood. The viewers will still take into consideration the seven questions of any investigation in the presence of Burtscher's photographs despite their apparent departure from any link to a deadpan or forensically engaged aesthetic. We are in fact driven to determine the who, what, when, where, why, how and with what of Burtscher's work, but ultimately it is a cold case. The presence of the bodies in the photographs presents the viewer with the same urgencies and dilemmas of uncharted landscapes. They do not ‘belong to me' but they provoke reactions, a need to throw, and a profound refusal of the photograph to answer. A bird comes flying by. A mother found a bird. She wanted to bring the little bird to Franz. But than the mother bird came. Oh no, the mother bird grabbed the baby bird from her hand. You see how much the mother bird loves the baby bird. A mother has lost her child. The child went up a mountain. The second kid stayed home. Then the firemen came. But they were afraid to go up the mountain. Then the mother went up the mountain. (Essay 1973) Burtscher's essay is an elementary school assignment, written by him at the same time that he was taken the photographs. The photographs, like the sentences in the essay, are stream of consciousness, one leading to the next and the next and the next, but the child who was holding the camera and writing the text has a very certain and specific point of view. In his photographs eyes are shielded, backs are turned, clouds cover the sun, smiles are forced, and a child's gesture can be confused with that of an adult. At the same time there is a tenderness, hedgehogs are cradled in a small hand, the nape of a small child neck is caressed by the lens, there are blurs of movement as people dance, dizzying, and babies fly through the air. The viewer, bereft of motive in the work, will work very hard to layer on meanings as elicited by our own internal provocations, prompted perhaps in a part by the essay or the placement of one images in juxtaposition with the next. The natural desire is to create a subtext or to read the gap, the space between the lines. These actions on the part of the viewer may in fact have very little to do with Burtscher's intentions at the time the photographs were taken. The motivation of a child are truly fugitive and eventually fade away, as have the colours in these photographs, as have the landscapes once visited, as will the people once captured. The adult viewer of a photograph wants to define the action, to categorize the work, to create a framework when perhaps the joy of the work is that no framework exists. It simply is. Is it possible to build relationships between images based on the confusion of being told that definitive parameters for the work are non-existent? How does one respond to the mute work of art that stares back? The forensically engaged viewer will recall that is not the responsibility of the work itself to do all of the work. When all is said and done the viewer is a critical member of a investigation, impartial at best, suspending judgement until due process has been served, and finally, serving as the star witness, without whom the work of art would not exist. Spring 2005, P. Elaine Sharpe
Las simples evocaciones gráficas de un adolescente El alemán Christoph Burtscher expone viejas imágenes en la galería leonesa Cubo Azul Christoph Burtscher es un hombre curioso que sabe conservar los recuerdos. En concreto, ha guardado celosamente las fotografías que hizo durante su niñez y su adolescencia y ha hecho con ellas una exposición que ha titulado Viene un pájaro volando... que estos días puede verse en la galería Cubo Azul. «Son instantáneas -nos confirma- que hice entre los diez y los diecisiete años. Un buen día las encontré en un cajón y construí con ellas una especie de diario gráfico. Es, pues, un trabajo de recuperación de la memoria personal y familiar». Las fotos forman varias secciones dentro de la exposición: viajes a Londres o Las Palmas, estancias en hoteles, celebraciones familiares... «Cuando recupero estas instantáneas -asegura Burtscher- construyo con ellas una historia nueva basada en las viejas imágenes, cuidando mantener la unidad de cada una de las series, tanto en el tema en sí como en sus características de color e, incluso, de estética». El crítico José Gómez Isla comenta a propósito de esta exposición: «La recuperación no puede ser más conmovedora, puesto que con lo que se encuentra el artista es con sus propias imágenes, pero otorgándoles, eso sí, una nueva lectura. Lo que podemos ver en esta obra no es otra cosa que el sabor de lo extraño en lo familiar. Pero además, la ligera falta de nitidez de una lente monofocal, junto con la sutil trepidación de la cámara, debido a una velocidad de obturación lenta, y al color saturado e irreal que confieren las viejas películas en color, hacen que el componente evocador de las imágenes sea todavía más poderoso. Podemos vernos reflejados esos personajes y en esos lugares como si pertenecieran a nuestra propia familia». O sea, digo yo, que son unas fotos tan deplorables como pueden ser las realizadas por un avispado adolescente buscando, simplemente, divertirse y tener un recuerdo de cada instante de su incipiente y agitada existencia. Imágenes que ahora el artista coloca en las paredes de la sala de exposiciones con evidente buen gusto y un sutil elemento evocador que aglutina las muy diferentes temáticas y técnicas. Nota: LC
José Gómez Isla: MIRADAS NOSTÁLGICAS. CHRISTOPH BURTSCHER La evocación del tiempo vivido es quizás una de nuestras necesidades ontológicas más profundas que nos sirve de vez en cuando para explicar muchas de las cosas que nos suceden, de cómo actuamos y de cómo somos en nuestro tiempo presente. Quizás sea la contemplación de nuestro propio álbum de fotos familiar una de las experiencias más íntimas y emocionantes que realizamos a lo largo de nuestra vida. En la literatura contemporánea son múltiples los ejemplos que acuden a esa rememoración de la infancia, de un tiempo que dejó sus huellas indelebles en nuestra alma y que compuso de alguna forma nuestra biografía más temprana. Desde “En busca del tiempo perdido” de Marcel Proust a “Confieso que he vivido” de Pablo Neruda, la práctica de la evocación nostálgica ha servido constantemente a infinidad de autores para autoafirmarse en la manera de concebir el mundo desde la historia de uno mismo, como excusa para reivindicarse desde el pasado. A menudo, este pasado al que nos aferramos, nos devuelve constantemente mensajes en botellas que no fuimos capaces de descifrar en su día y que ya dábamos por perdidos. Pero siempre la memoria recuperada, como el oleaje que termina devolviendo a la playa todo aquello que alguna vez fue arrojado al mar, nos termina enfrentando a los vestigios de nuestro propio pasado, a las huellas mudas de lo que fuimos. Es precisamente el propio Proust, en el séptimo volumen de su magna obra, titulado “El tiempo recobrado”, quien, sumergido en una biblioteca, recupera el aroma perdido de su niñez. Ese mismo proceso, al que todos nos hemos enfrentado en alguna ocasión, es el que nos hace encontrar a menudo un sentido distinto a nuestra existencia y recuperar nuestra Arcadia perdida. Fue Baudelaire quien acuñó aquella célebre sentencia de “mi patria es mi infancia”. Posteriormente otros poetas, como Rainer Maria Rilke, se la apropiaron para componer algunos de sus más bellos versos. Pues bien, no se trata aquí de diagnosticar con un ojo clínico si existía ya una intencionalidad artística o no en la obra que ahora se recupera, sino de valorar la carga creativa que, desde el discurso del presente, se impregna a las imágenes del álbum familiar mostradas en la presente exposición. Me gusta imaginar que, en el proceso de recuperación y reinterpretación de parte de su archivo familiar, Burtscher se ha reencontrado a través de estas viejas fotografías con un pasado distinto al que recordaba en su cabeza, produciéndose una suerte de extrañamiento en su manera de mirar a ese pasado desde el presente. Probablemente el artista ya no se reconozca en esas imágenes como autor de las mismas. Quizás el olvido en un cajón, en un álbum olvidado desde hace años o guardado en una vieja lata de recuerdos y fotos amontonadas, haya hecho que la tarea de la reconstrucción y reordenación de su propia biografía infantil constituyan un proceso de asimilación de alguien que ya no se reconoce en lo que fue ni en lo que hizo. Como si nos situásemos ante un espejo deformante o empañado, se produce irremediablemente una disociación de nuestra conciencia de identidad, entre lo que somos y lo que fuimos, entre lo real y lo recordado. Como en ese reflejo que no nos devuelve nuestra imagen en el espejo, tampoco somos capaces de reconocemos ya en aquellos retratos que nos tomaron hace décadas, ni en las fotos que nosotros mismos disparamos cuando aún apenas empezábamos a descubrir el mundo con una cámara colgada al cuello. Como reza una canción de Luis Eduardo Aute, evocando precisamente una fotografía de adolescencia, “esos rostros ya no llevan nuestros nombres, son dos máscaras perdidas en la noche”. Pues bien, la obra de Burtscher puede ser leída también como una especie de ready-made familiar que adquiere nuevo sentido en el doble proceso de olvido y recuperación. Porque las propias imágenes que este autor realizó en el pasado se acercan en cierto modo al objet trouvé del ideario surrealista, a ese objeto que se nos revela como extraordinario en mitad de lo cotidiano y al que somos capaces de otorgarle un nuevo sentido y un nuevo valor estético, distinto de para el que fue creado originariamente. En este caso, la recuperación no puede ser más conmovedora, puesto que con lo que se encuentra el artista es con sus propias imágenes, pero otorgándoles eso sí una nueva lectura. Parafraseando a Estrella de Diego, lo que podemos ver en esta obra no es otra cosa que “el sabor de lo extraño en lo familiar”. Pero además, la ligera falta de nitidez de una lente monofocal, junto a la sutil trepidación de la cámara (debido a una velocidad de obturación lenta) y al color saturado e irreal que confieren las viejas películas en color, hacen que el componente evocador de las imágenes sea todavía más poderoso. Podemos vernos reflejados en esos personajes y en esos lugares como si pertenecieran a nuestra propia familia, porque esta obra nos habla también de nuestro propio pasado, de ese lugar al que todos hemos querido volver alguna vez. José Gómez Isla
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